Jun 102012
 
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Dec 062011
 

Performance Beyond Miami’s Parties
by Paul David Young 12/06/11 Art in America.

The tenth edition of Art Basel Miami Beach was supposed to “reflect a shift toward expanded conceptual, performative and temporal gestures,” according to a curatorial statement. But there was little performance at the main fair, nor at the satellite fairs and events, unless you count the parties.

However, two lecture-performances provided a valuable opportunity to experience two sharply contrasting uses of this very current art form: Hennessy Youngman’s NADA-sponsored The History of Art Part 1 in the lobby of the Deauville Hotel on Dec. 1, and Ernesto Oroza’s Architecture of Necessity at the Fluxus-inspired exhibition “Four Minutes, Thirty-Three Seconds” at LegalArt, curated by Omar Lopez-Chahoud, on Dec. 2. The lecture-performance is often an ironic institutional critique of suspect curatorial practices, museum politics or art history. Terence Koh’s recurring Art History, for example, involves a rapid-fire series of images that he explains using incomprehensible babble.

Youngman is known for irreverent online videos that combine street talk and glib attacks on specialized art vocabulary, but History of Art Part 1 amounted to a sad commentary on the catchall of “art performance.” After several sound checks, the bearded Youngman, wearing a red Spiderman baseball hat, khaki shorts, gold chains, a BET leather bomber jacket and ankle boots, took his seat between some potted palms and began to read as a video projected behind him. Soon he announced that part of the script was missing, disappeared for a while and returned, without any additional material.

Youngman’s “history” began with the paper tiger of the artist as a mythic loner, a shaman “bringing magic into the world.” He railed briefly against the “MFA industry” of art education for producing “a creative class more like a search engine,” though, to the extent that he completed his performance, it was clearly itself a product of Google. He didn’t get very far before leaning into some racial comments about the crowd, a theme reprised throughout the performance. “Talking to a bunch of white people in the lobby is kind of weird. I need a lot of alcohol to cope with that.” Later, he said he saw “four brown people here” and described the audience as a “sea of milk with some chocolate chips in it.”

His refutation of the artist as lone protagonist was a belabored drug joke. He claimed that many historical figures, perplexingly mostly not from the history of art (the Incas, Pizarro, Thomas Edison, Sir Arthur Conan Doyle, Freud, Richard Pryor), had achieved something not because of “divine Providence” but because they had a “secret ally.” Then he trotted out pictures of work by Donald Judd and Carl Andre, facetiously asserting that they made their breakthroughs with the help of cocaine.

At this point, Youngman, bored, abandoned the lecture, turned off the video projection, and spent the rest of his time walking among the crowd, asking audience members general questions. “Are you an artist? A collector?” “Why are you here?” He warned the crowd, “Don’t come to NADA if you’re an artist because you’ll leave very depressed.” Youngman didn’t explain why that might be true. (In fact, the NADA fair was more vibrant than the main fair.)

Approaching one young woman, he inquired about the quality of his performance. “It’s pretty boring, right?” The woman sheepishly admitted, “A little . . . ” to which Youngman replied, “Should I just play music?”

He announced, “I’m going to keep doing this until you guys leave. This is called performance art.” Indeed, the eager crowd that had gathered was almost entirely gone by the time Youngman stopped the in-crowd interviews. The ending was hardly noticed by the people in the lobby who had wandered off to talk or drink the free Grolsch beer. To paraphrase Youngman, if this is performance art, it does require a lot of alcohol to make it tolerable.

By contrast, the unironic Ernesto Oroza, a Miami-based artist who resided in Cuba until four years ago, took his lecture entirely seriously, at least until he set fire to a pencil using live electric wires attached to a plastic sandal and then tried to operate a fan connected to a rotary telephone.

The pencil ignition was the illuminating conclusion to Oroza’s exploration of Cuban domestic innovation in response to the shortages and regulations of the Castro regime. Oroza was pleasantly low key, showing and describing rather than opining or advocating. An artist working with the ephemerality and low-tech predisposition of Fluxus, the raven-haired Oroza fingered his black plastic glasses, while operating his laptop and reading from a folded typed script that he had removed from his pocket.

Oroza explained how Cuban Marxism turns home ownership into a game of cat and mouse. With strict regulation on property ownership and construction, Cubans assert ownership piecemeal, establishing a stairway or extending the floor plan like a tendril to enclose a nearby freestanding wall. You can’t build a stairway, so you build ascending platforms that that functions as such, but is nonstandard enough to escape prohibition.

With a slideshow illustrating vernacular Cuban architecture, Oroza showed the absurd but delightful effects of this system. He illustrated its transformative potential through photographs of strange building fragments that he described as “the potential house.” A wrought iron handrail of an exterior staircase, breathtakingly irregular, had been created to avoid appearing to be a handrail. It curved in beautiful, organic curls, folding in, one on the other, not a stairway railing after all, but a primal kind of sculpture, site-specific and expressive of an individual will to overcome the impossible.

Oroza considered this “architecture of necessity” to be an instance of the total Cuban social adaptation to the island’s economic isolation, the most famous example of which is the country’s bizarrely well-preserved fleet of 1950s cars. For Oroza, this Cuban resourcefulness engenders a “pre-cultural sense of eating and sleeping,” a state that seemed momentarily desirable.

Oroza’s finale coaxed out the showman in him. Installed on the wall in the exhibition space of the superbly installed “Four Minutes, Thirty-Three Seconds” was Oroza’s black plastic sandal with two live wires protruding from it. Oroza placed a graphite pencil across the live wires and it burst into flames. He repeated the trick, explaining that this was a common practice in Cuba where there are no matches. Smokers set pencils on fire with electricity to light their cigarettes. (Don’t try this at home.) It was a vivid, comic illustration of human perseverance and a nice bit of stage pyrotechnics. After the final explosion, Oroza installed the burnt pencils in a row atop the electrical conduit feeding the socket, where they remain until the exhibition closes, Jan. 31.

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Dec 062011
 
Light a fire with your house. Redrawing LegalArt's building. Electrical system, pencil, plastic sandal, text on wall, action. 2011 (Left). Moral Modulor's Drawings Project "When anthropometric dimensions become a metaphor for moral dimensions", newspaper, cut 2011 (center) Potential House. From Architecture of Necessity, 2008 (right).

Light a fire with your house. Redrawing LegalArt’s building. Electrical system, pencil, plastic sandal, text on wall, action. 2011 (Left).
Moral Modulor’s Drawings Project “When anthropometric dimensions become a metaphor for moral dimensions”, newspaper, cut 2011 (center)
Potential House. From Architecture of Necessity, 2008 (right).

“Four Minutes, Thirty-Three Seconds” LegalArt, Miami. Curated by Omar Lopez-Chahoud. Press release
“Four Minutes, Thirty-Three Seconds” revisits the liberated attitude towards the creative process that defines the Fluxus movement. This project coincides with significant exhibitions happening at MOMA, NY; the Grey Art Gallery; NYU and at the Storefront for Art and Architecture, in collaboration with Performa 2011. This leads us to reflect on the similar attitudes between Fluxus actionists and a younger generation of artists as well as the socio-economic context in which these responses arise.

The title of this exhibition makes reference to a piece by composer John Cage, a notable influence on the Fluxus work of Lithuanian-born artist George Maciunas. Maciunas (1931-1978) organized the first Fluxus event in 1961 at the AG Gallery in New York City and the first Fluxus festivals in Europe. The Fluxus art movement in the 1960’s and 1970’s was characterized by a strongly Dadaist attitude, promoting artistic experimentation mixed with social and political activism. Often celebrated anarchistic change, Fluxus members avoided any limiting art theories and spurned pure aesthetic objectives. Their activities resulted in events or situations often called Aktions (works challenging the definition of art) and included performances, guerilla or street theater and concerts of electronic music, many of them similar to what in America were known as Happenings.

In the spirit of the Fluxus tradition, Omar Lopez-Chahoud has invited local and international artists, collaboratives, situationists, and curators to present projects in the form of publications, events, discussions, performances, situations, and other actions. These groups and individuals will activate the space in a way similar to the Happenings of the Fluxus Movement, inspired by an anti-art and anti-consumer enthusiasm. Participants in this exhibition include: Augurari Editions, Rodolfo Andaur, Hackworth Ashley, Spring Break, Monserrat Rojas Corradi, Cat Dove, Viking Funeral, Andrea Galvani,  Jay Hines, Scott Hug, Karlo Ibarra, Carlos Irijalba, Brookhart Jonquil, Jason Keeling, Kristin Korolowicz, Liz Magic Laser, Nicolas Lobo,  Gean Moreno, Richard Mosse, Ernesto Oroza, Gaston Persico, Manny Prieres, Print and Paste Collective (FAU), Megan Riley, Tom Scicluna, Joaquin Segura, SOMA, Natika Soward, Lara Stein Pardo, Suzanne Stroebe, Third Streaming/Yona Baker, Cecilia Szalkowicz, TM Sisters, Pinar Yolacan and others.

Omar Lopez-Chahoud has made use of his LegalArt residency as a lab for ideas, strategies and questions that organically shape the content of this exhibition. This project, like Cage’s composition, creates a potential space for creative energy and responses, facilitating a fertile dialog with the community outside of the traditional gallery venue. Publications produced by artists, curators, and art organizations will be available for research on the second floor of LegalArt. The exhibition continues on the fourth floor with multimedia installations and performances.

read Art in America review

Rethinking home from a pragmatic and criminal perspective. I am using the electrical system to “redrawing” the house. The action is connected with thousands of gestures individules that reimagine the urban infrastructures.

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Oct 232011
 

La probeta de hormigón (concrete test specimens) es un objeto asociado tecnológica e históricamente a la arquitectura moderna. En Cuba se han acumulado cientos de miles por toda la isla en los últimos setenta años y el conjunto de esta totalidad conforma un estrato reposado y abstracto, un sedimento geológico de hormigón que diagrama el suceso de la modernidad y la implementación de la industrialización en la arquitectura cubana.

Es un cilindro rectangular que tiene, por norma, 6 pulgadas de diámetro por 12 pulgadas de altura (15cmx30cm), aunque otras proporciones existen. Su composición, que es la del concreto deriva de una mezcla de agua y cemento a la cual se le añaden los agregados finos y gruesos como la arena y la grava.

El objeto se produce para evaluar y controlar la producción del hormigón ya sea en la fábrica o durante la construcción (in situ) de una obra arquitectónica o ingenieril. Cuando se producen durante el proceso de edificación se usan muestras que comparten similares condiciones con el material empleado en la construcción. Para esto se toman porciones de la mezcla preparada y se vierten en los moldes cilíndricos (metálicos) de los cuales resultan las probetas.

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Antes de extraer el cilindro resultante del molde se graban en una de sus caras circulares los códigos de la producción y la fecha del día. Estos datos distinguirán por siempre a la probeta de las otras producidas allí ese día o en cualquier otro lugar y tiempo. Las muestras se secan y curan para evaluarlas posteriormente y constatar la calidad del mortero, la homogeneidad, el peso y la potencial resistencia a distintas presiones y factores ambientales. Las probetas producidas en la fábrica se prueban después de dos meses y medio (72 días) de curadas y las creadas en el lugar de una construcción se prueban rápidamente para responder a la inmediatez del proceso productivo.

Se puede pensar que en algunos casos las probetas condensan el material empleado en los edificios, en otros casos, el material discriminado, la mezcla que fue excluida de los inmuebles. Es decir, en ocasiones el objeto participa de la memoria urbana compartiendo genes y emparentado por la exactitud de la mezcla con las columnas, vigas, losas de veredas y los techos de la ciudad. Pero  en otras ocasiones participa de las zonas abstractas y desdibujadas del fallo, de la materia marginada, del error humano. Ambas posibilidades son interesantes de repensar e invitan a una mirada especulativa en torno a la ciudad.

Las probetas revelan la época, la tecnología constructiva y la materia usada en edificaciones importantes para la modernidad y de otras aun no incluidas en una mirada histórica mas abarcadora e inclusiva de este período. Desde una probable relación de todas las probetas de la Habana se evocarían algunas obras arquitectónicas y asentamientos urbanos importantes. Pienso en las probetas derivadas del edificio de apartamentos duplex en 23 y 26 de 1952, en otras provenientes de las cabañas experimentales de la playa Jibacoa de 1959, o del edificio de apartamentos en Malecón y F  de 1967 y del Palacio de Convenciones de la Habana de 1979, todos proyectos de Antonio Quintana. Habrá muchas por la zona sureste de la Habana en el barrio Residencial Obrero de 1944, concebido por Pedro Martínez Inclán en colaboración con Mario Romañach, Antonio Quintana y Jorge Mantilla. Me gusta pensar que hay algunas probetas acostadas en la Habana que conservan la materia precisa que dio forma al edificio de la Calle C entre 29 y Zapata, en el Vedado (Compañía de Inversiones en Bienes y Bonos, S.A.) de Mario Romañach o su peletería “California” de 1951, y habrá algunas humildes salidas de la casa del Médico de la Familia en Armas y A en Lawton de 1992 o las del edificio de Linea y 12 que tardó mas de 20 años en terminarse. Las probetas, por lo general, permanecen merodeando los edificios que representan, en los límites de los jardines o circunscribiendo los perímetros de viviendas aledañas. Su peso específico la ancla a la zona de procedencia, sus desplazamientos son escasos y lentos, puede que se alejen cien o doscientos metros, no mas. El listado hipotético de estos cilindros de concreto apuntaría tanto a las fisonomías de los inmuebles como a las historias culturales que estos protagonizan. La permanencia de las probetas en las zonas donde fueron fabricadas las hacen testigos de la deriva, en términos sociales, del edificio que las engendró.

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Hay probetas en otro grupo que apuntan hacia una fórmula que fue violada ya sea por un desvío de materiales en una construcción o simplemente porque un obrero se excedió con el agua haciendo débil la mezcla. He encontrado algunas muy agrietadas, con los bordes carcomidos, supongo que nunca fue usada esa mezcla, o si lo fue hay algún edificio por ahí en igual estado de deterioro y resquebrajamiento.

Lo cierto es que hoy se acumulan y derivan ambos grupos, mezclados todos los índices, digeridos sin distinción por el tiempo y las ciudades de la isla. Inscribo el mapa en la isla porque hay que poner limites geográficos -que ya los tiene en términos históricos- pero podemos imaginar cuantos cilindros deambulan hoy por rincones de Brasilia y los barrios de la Ciudad de México y Caracas.

Creo que las cifras marcadas en los cilindros, las fechas y otros signos en sus caras circulares, completan la función indicativa en la urbe de los procesos constructivos desarrollados en los últimos decenios.  Por un lado estas fechas se consagran a una epifanía. Al instante milagroso de la dosificación perfecta, a proporciones ideales de agua y cemento, a temperaturas precisas de secado, a un clímax inmejorable de homogeneidad y fusión. Por otro lado estas fechas tienen una latencia biográfica. He buscado por años una que tenga mi fecha de nacimiento. Creo que al menos habrá una en toda la isla y esa probeta probable es también un índice de mi resistencia, o de mi falta de esta. He buscado insistentemente en las probetas que rodean los jardines del Ministerio de la Construcción efemérides marcadas en el cemento húmedo de la historia nacional: miércoles 31de diciembre de 1958, el sábado 15 de Abril de 1961, el martes 15 de Abril de 1980. ¿Será que esos días  no se construyó nada?  He encontrado muchas que parecen menos significativas pero resultan igual de inquietantes porque pueden apelar a historiografías no hechas, a eventos oscuros no contados, a días que solo se nombraron en un cilindro de hormigón: ¿que habrá ocurrido el domingo 30 de Julio de 1972 o el miércoles 13 de Mayo de 1981? Creo que este cilindro tiene una potencialidad enorme para fecundar y constituir diversas nociones historiográficas y sugerir nuevos umbrales especulativos.

Sin duda el conjunto de estos cilindros, desde el primero que se fabricó en la isla hasta el más fresco pueden erigir un museo de la arquitectura moderna cubana. Sería un edificio abstracto con muros-displays hechos con las probetas, un museo sin techo y con suelo de tierra y hierba o quizás hecho con probetas enterradas o sencillamente acostadas. Para producir los muros podrían disponerse filas dobles cuando sean muros altos o en filas de a uno cuando sean muretes. Algunas probetas semi enterradas podrían funcionar como trabas para evitar el corrimiento. No tendrá ni puertas ni ventanas pues no habrá material alguno mas que las probetas. Serán muros encontrados, muros paralelos, otros tangenciales. Algunos muros curvados formarían pabellones que pueden destinarse a épocas especificas, a arquitectos importantes, a edificios emblemáticos. Un pabellón largo como un pasillo infinito y sugerente seria el pabellón del desvío de recursos, estaría conformado por probetas fracturadas, desmoronadas, ruinosas que apelaran a construcciones ilegales o a habitaciones parásitas en lejanos puntos de la ciudad jamás diseñadas por un arquitecto. Otro podría ser el salón del concreto etéreo, el del hormigón que flota en los techos voladizos y en las marquesinas de tantos edificios modernos habaneros. La sección de la “mariposa” de la Ciudad Deportiva será quizás la mas estimulante en este sector. El museo podrá tener al centro de sus áreas o en su periferia acumulaciones de configuración creativas como las que se encuentran en jardines de la ciudad y en los rincones conmemorativos y políticos. Algunas formaran grupos que se propondrán como asientos infinitos, escaleras y rampas, estanques y pozos. Otras disposiciones no podrán ser asociadas a nada, serán exploraciones estructurales creativas. Los hacedores de este museo no deben ser arquitectos, creo ellos no son los versados en el uso de esta materia, los expertos son los vecinos de los edificios hechos por arquitectos. Las amas de casas que adoran sus jardines, los agricultores aficionados, los adornadores de cuadras, los que han construido con probetas los muros de sus baños improvisados. En este sentido el museo será también un índice de todos esos usos que de la probeta se han hecho en la ciudades cubanas y del mundo. Porque este pudiera ser también un museo internacional.

El museo de las probetas puede ser leído también como un mapa urbano del cual el “edificio” se excluiría a si mismo. En sus cúmulos, en los conjuntos de probetas que formen sus muros se reunirán teóricamente los puntos de la ciudad donde estos cilindros se fundieron. Es un mapa que podrá ser modificado infinitamente. En ocasiones las probetas podrán agruparse cronológicamente para responder a ciertos conceptos museográficos o disponerse siguiendo una secuencia topográfica para responder a otras exigencias. Sería sin dudas un buen lugar para alojar muestras de otras practicas, muestras que se sirvan del indice histórico pero también muestras de archivos informes o de objetos y sistemas inclasificables como lo es la probeta[1]*.

No estoy seguro aun si este edificio pueda entenderse como un museo de la probeta misma. Creo que el museo puede diagramar la capacidad de evocar, de indicar del cilindro, pero un museo sobre este objeto sería un museo sobre nada, que no estaría mal. Y es que he intentado, sin éxito, ubicar la probeta en alguna categoría común con otros objetos contemporáneos.  En términos tipológicos he fallado cada vez. No pertenece ni al orden de la materia prima aunque participe de la creación de esta. Es decir, comienza siendo materia prima pero en el instante que se conforma como una muestra queda separada del destino común al material de construcción. Tampoco puede ser interpretado como un objeto arquitectónico porque, aun siendo un objeto construido durante el proceso de fabricación del edifico no habita posteriormente ningún sistema funcional en la arquitectura. Es cierto que podemos hallarlo integrando objetos arquitecturales vernáculos como limites de jardines, calzando construcciones precarias, e integrando muros o cimientos pero esta funciones no están relacionadas con su origen y responden a una reinterpretación posterior a su función tecnológica y social. Pretendí, en este sentido, asignarlo al orden de los desechos pero tampoco parece aceptar esa ubicación.

Lo interesante es que al no participar de estos estados comunes a la materia arquitectural tampoco lo hace del universo cultural en el cual estas tipologías se inscriben. Difícilmente puede ser leído como parte del escenario de una ruina, tampoco como integrante de un estilo o de tipologías arquitectónicas precisas. Existe en el marco de una tecnología constructiva específica pero su difícil definición tipológica le permite evitar categorías culturales obvias. No parece fácil de imaginar participando de secuencias vivenciales como bajar una escalera o dormir bajo ella, atravesar una puerta, por lo que no podría participar de ficciones grandilocuentes y retóricas. Digamos que la posible narrativa donde esta probeta participe sería tan enmarañada y aburrida como este texto.  La clarificación parece ocurrir únicamente en el campo de las herramientas aunque ahí también se complica la categorización. A pesar de su materialidad concreta su presencia en el mundo responde a la virtualidad de una estadística: el cilindro es únicamente el resultado de una herramienta de pruebas y de un proceso de medición y control.

Aceptarlo como un ente virtual no esta mal. Podemos reconocer la potencial diversificación, hasta el infinito, de su constitución. Y es que puede decirse que las contradicciones e inasibles clasificaciones están activadas desde su origen. Los exigentes procesos de estandarización y normalización aplicados a su producción se confrontan con la diversidad exponencial, en términos métricos, químicos, ambientales, que provee la combinación de cemento, agua, arena y grava. Y esta confrontación apunta a la singularidad de las probetas. Particularidad atrapada por siempre en los signos de sus caras, aun en la de los llamados cilindros compañeros. Se trata de probetas “idénticas”, muestras de una misma mezcla pero de las cuales se espera se comporten de manera diversa cuestionando el milagro de su singular composición y considerando la variabilidad de las condiciones ambientales sobre el secado o las distintas fuerzas que recibiría dicha mezcla en la estructura.

Creo que aun sin ser nada la probeta es. Es, por ejemplo, un módulo óptimo para especular. Su geometría implica y propicia una modulación, su forma y su peso proponen combinaciones posibles. Este cilindro de concreto es un vector excelente para invadir territorios con ideas y con preguntas. Cada interrogación que hagas al cilindro de hormigón, en su carácter genérico, se lo harás a todos los cilindros. Cada solución que hagas en tu jardín con una de estas probetas la estarás endorsando, como potencialidad, a todas las otras probetas del mundo. Cada especulación con este cilindro de concreto sobre la gramática de la urbe devendrá un patrón posible, una red expandida y abstracta de hormigón.

Ernesto Oroza, Schöneweide, 2011


[1] He proyectado para este museo hipotético una exposición de antenas vernáculas concebidas para decodificar y “robar” la señal de la emisora estatal de radio “para Centros de Gastronomía  y Comercio de Ciudad de la Habana”.  Los creadores de estas antenas las ocultan en cajas pequeñas de plástico y mas comúnmente en el interior de autos de juguete. Esa es la razón por la cual hay tantos televisores y radios en la Habana atados con un cable delgado a pequeños autos de carrera o a camiones de bomberos y autos de policía. Una exhibición de estas particulares antenas insertaría en el museo otro mapa especulativo. Ver antena aquí
* He comprobado recientemente que ya no existe la señal  de radio mencionada. (nota del autor, marzo/2012)

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Oct 132011
 

radio-galena-ernesto-oroza

Crystal Radio (Radio a Galena), 2011. Ernesto Oroza, Gean Moreno.
“Radio a galena” is an rudimentary crystal radio that function without a conventional power source. They are housed inside milk crate casings which are then stacked in towers. Early versions of the modern radio as we’ve come to know it, Crystal Radios convert electromagnetic radio waves into alternating electric currents.

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Sep 062011
 

pawnshopeflux

ARE YOU AN ARTIST IN NEED OF FAST CASH?
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Come on down today!

Pawnshop at Thessaloniki Biennial
18 September–18 November 2011
Typou 5
54625
Thessaloniki
Greece

Opening hours:
Wed/Thu/Sat/Sun 17:00–21:00, Fri/19:00–23:00, Mon–Tue: closed

T 30 2310522672
pawnshop@e-flux.com
www.thessalonikibiennale.gr

Originally established by artists Julieta Aranda and Anton Vidokle in New York in 2008, PAWNSHOP went bankrupt at the beginning of the world financial crises, only to re-open successfully in Beijing and, most recently, at Art Basel.
Structurally, a pawnshop is a short-term loan business, which retains a collateral object (a camera, a ring, a guitar, a gun, and in this case an artwork) in exchange for a cash loan—a small fraction of the object’s value that needs to be repaid with interest within a one-month period. If the owner of the pawned object does not return to collect it and repay the loan + interest within 30 days, the pawnbroker has the right to sell it.
What is of particular interest in pawnshops is the peculiar mixture of the illicit and the desperate, futurity and anticipation. The idea that the object is collateral for cash that might be traded back for the object during a set duration, could be put in other words, that works of art and money are just dancing in a choreography in which they might just circle back and meet again, and cancel each other out, but in fact rarely do.
All profits from PAWNSHOP have been donated to Doctors Without Borders.

PAWNSHOP Inventory:
 Lucas Ajemian, Armando Andrade, Florian Aner, Artemio, Michael Baers, Christin Berg, Bik Van Der Pool, Julien J. Bismuth, Chloe Briggs, Mike Bouchet, Svetlana Boym, Francois Bucher, Andrea Büttner, Etienne Chambaud, Herman Chong, Branka Cvjeticanin, William Diaz, NICO DOCKX, Gardar Eide Einarsson, Annika Eriksson, Köken Ergun, Jakup Ferri, Jean-Pascale Flavien, Harrell Fletcher, Iris Flügel, Egan Frantz, Peter Freidl, Jaime Gecker, Carmen Gheorghe, Barbad Golshiri, Sara Greenberger-Rafferty, Antonia Hirsch, Klara Hobza, Ralf Homann, Sejla Kameric, Matt Keegan, Christoph Keller, Staš Kleindienst, Runo Lagomarsino, Andriana Lara, Annika Larsson, Sebastjan Leban, Kit Lee, David Levine, Liz Linden, Nuno daLuz, Rodrigo Mallea Lira, Lucas Moran, Gean Moreno, Shane Munro, Sina Najafi, Trine Lise Nedreaas, Carsten Nicolai, Lisa Oppenheim, Ernesto Oroza, Bernardo Oritz Campo, Wendelien van Oldenborgh, Marion von Osten, Olivia Plender, Bettina Pousttchi, Khalil Rabah, Manuel Raven, Fay Ray, Joseph Redwood-Martinez, Anri Sala, Natascha Sadr Haghighian, Julia Scher, Jessica Sehut, Matt Sheridan Smith, Aaron Simonton, Shelly Silver, Lucy Skaer, Michael Smith, Nedko Solakov, Francesco Spampinato, Peter Spillman Franz Stauffenberg, Eric Stephany, Martin Stiehl, SUPERFLEX/ COPYSHOP, Jalal Toufic, Andra Ursuta, Gabriela Vainsencher, Costa Vece, Lawrence Weiner, Ana Wolovick, Haegue Yang, Florian Zeyfang, Andrea Zittel

New works by:
Andreas Angelidakis, Uri Aran, Athanasios Argianas, Manfredi Beninati, Carolina Caycedo, Christina Dimitriadis, Jimmie Durham, Irini Karagianopoulou, Apostolos Kotoulas, Nikolaj Larsen, Carlos Motta, Theofanis Nouskas, Angelo Plessas, Mathilde Rosier, Tayfun Serttas, Socratis Socratous, Chryse Tsiota and others.


Forget the market! Forget the fair! Dollar is Low! Recession is Back!
It’s time to shop… PAWNshop!

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”Old Intersections-Make it New”

3rd Thessaloniki Biennale of Contemporary Art
Thessaloniki, Greece

18 September–18 December 2011
Opening:
September 18, SMCA, Moni Lazariston, 19:30
www.thessalonikibiennale.gr

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Sep 022011
 

Critical Strategies of Post-Utopian Cuban Art (Cuba-United States). Curated by Adriana Herrera
Houston Fine Art Fair, Sept. 15 – 18, 2011.

The exhibition—featuring Consuelo Castañeda, Rubén Torres Llorca, Glexis Novoa, Ernesto Oroza and Gladys Triana—includes pieces (or re-mades) belonging to the period in which they lived on the island, and challenged the hegemonic system, along with artworks that are particularly strong in the production of a critical—and political, in a more general sense—vision of the United States. The exhibition is curated by Adriana Herrera, Miami-based independent curator and critical writer, and sponsored by Hardcore Contemporary Art Space, located in booth 602.

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Aug 302011
 

hardpoems

Nektar De Stagni and Gallery Diet are pleased to announce a new collaborative project:
Hard Poems in Space
Opening September 8th 2011, 7 to 10 pm
Bhakti Baxter, Paola Pivi, Gean Moreno, Ernesto Oroza, Christy Gast, Jim Drain, Martin Oppel, Daniel Milewski, Agathe Snow, Emmett Moore, Rene Gonzalez, Fabienne Lasserre, Nektar De Stagni, Confetti System, Dennis Palazzolo, Aranda/Lasch.
The project, which began during the summer of 2011 through a series of workshops at NDS (Nektar De Stagni Shop) and Gallery Diet, was conceived in order to bring together invited Artists and Designers to make functional objects. Participants are working collaboratively or individually, but with the goal of creating an overall exchange between different practices, as well as to create a cohesive and interactive social environment, to open on Fashion’s Night Out on September 8th, through December, 2011, at the NDS

Design District Space.
Nektar De Stagni Shop
155 ne 38th St.
Miami Design District.
Open Daily 11am to 6pm
786 556 3033
WWW.NEKTARDESTAGNI.COM
info@nektardestagni.com

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Jul 072011
 

Ernesto Oroza: el espacio relacional de todas las cosas del mundo
ADRIANA HERRERA

Ernesto Oroza (La Habana, 1968) exhibe actualmente la muestra de videos y fotografías Enemigo Provisional en Art@Work. En 2007 obtuvo la beca Guggenheim por su proyecto Arquitectura de la necesidad que indagaba en la reconfiguración ocurrida en el interior y exterior de los hábitats de La Habana. Tras graduarse de diseñador industrial durante el Período Especial había enfrentado la imposibilidad material de producir obras sofisticadas y descubrió en cambio que existía un impresionante “período de diseño popular masivo”, según escribió el crítico y artista Gean Moreno, con quien ha creado obras colectivas explorando un similar tipo de práctica en el Little Haiti de Miami.
Viendo su oficio sobrepasado por un entorno en el que la gente trasformaba sus viviendas con inesperadas envolturas o modificaciones inusuales para resolver la escasez habitacional; y en el que también se fabricaban objetos con lo que había a mano, improvisando soluciones frente a la carencia; renunció a sus ideas académicas para absorber las prácticas de la estética y vida popular.
Se convirtió en un “ex diseñador”  –como lo llamó Moreno, apropiándose del término acuñado por Martí Guixé-, que más que crear, acopia objetos de arte encontrados que fotografía, usa como patrones, o como ingeniosas instalaciones de solución espacial fabricadas con recursos “pobres” como baldes, cajas de cartón, piedra o plástico. Pero sobre todo, funcionan como artefactos de pensamiento para revelar zonas de interrelación en sombra.
Su práctica artística refleja cómo la  necesidad puede propiciar en Cuba el despliegue de una recursividad orgánica, marcada por los ritmos y las urgencias de la gente. Pero lejos de caer en el romanticismo que hace exóticos esos objetos caseros ingeniosos – una lámpara de querosene hecha con una botella de leche-, reafirma que no se renuncia al deseo del objeto “verdadero”. Como un Aladino contemporáneo, Oroza cambiaba de hecho, un ventilador nuevo por el que alguien había creado con un disco de acetato para “resolver” su carencia, y lo usaba como un readymade de la arquitectura de la necesidad.
Oroza demuestra hasta qué punto diseño y arquitectura, asumidos desde la supervivencia cotidiana, pueden desafiar la ética de un sistema que reprime la iniciativa individual, pero también la de otro que conduce a un consumo de cosas hechas y no necesarias a fin de someterlo a un omnipotente poder financiero.
Su obra no está en las piezas, sino en la intermediación social. Es una mirada apostada en los espacios emocionales –del deseo, del miedo a la escasez, de la posesión simbólica, de la necesidad de expansión- que se activan en las relaciones de las personas con los objetos y arquitecturas con los que viven. Su estética relacional se apropia de las prácticas populares para erosionar los lugares comunes que saturan las ideologías del poder.
De modo coherente con una programación ligada a la observación cultural de la migración y de los desplazamientos territoriales y de visión en Miami, Art@Work exhibe el video y las fotos de Enemigo Provisional. Las piezas registran el estado en que queda un set de objetos caseros tras ser usados en los campos de tiro improvisados que Fidel Castro autorizó montar con escopetas de cacería amarradas a una barra. El gobierno las suministró conminando a la gente a entrenarse a disparar para enfrentar la amenaza de una invasión imperialista. Los campos provisionales, creados para una espera hipotética, funcionan como negocios improvisados en estructuras donde se cuelga cualquier objeto inútil que pueda ser baleado. Balones desinflados, muñecas viejas, piezas sueltas, reciben una descarga de agresividad popular obviamente más conectada con la liberación de una energía de frustración social, que con su supuesto propósito de entrenamiento. Cada objeto agujereado y fotografiado cumple una función que desplaza la inmovilidad de una sociedad donde todos están a la espera de lo que no ha de venir, por una catarsis tan absurda o grotesca como el estado en que quedan estos blancos que hablan no sólo de la extensión del simulacro sino de las estrategias de desplazamiento. El “enemigo” externo provisional ayuda a acatar la inacabable espera.
Oroza propuso la “desobediencia tecnológica” como una vía para remover la inmovilidad que imponía en Cuba determinó una forma de vivir en la transición; pero también el perenne tránsito hacia el progreso que en el capitalismo acaba por obviar, en aras de una sofisticación tecnológica, “los paradigmas de vida humana”.
Otro video exhibido pertenece al archivo llamadoDesobediencia tecnológica y muestra la aparición de Fidel Castro intentando promocionar la ventaja de productos chinos para el consumo, en un momento en que masivamente la gente diseñaba con cualquier cosa objetos de necesidad. La reproducción de esa imagen del líder político que parece encarnar un vendedor callejero armando cuentos sobre el producto que intenta vender, evidencia el límite de las ficciones sociales y erosiona el poder discursivo de un sistema a partir de la visión de los objetos.
En síntesis, estas obras encontradas que interpelan los límites de las ficciones sociales, burlan los estereotipos de exaltación o detracción del consumo del comunismo y del capitalismo, y proponen la formulación de otra ética en la relación del hombre y las cosas.

ESPECIAL/EL NUEVO HERALD
Adriana Herrera es escritora, curadora, y crítica de arte. Colabora con galerías y museos, y asesora publicaciones especializadas.
‘Enemigo Provisional’ de Ernesto Oroza en Art@Work, 1245 SW 87 Ave. Hasta el 21 de septiembre. Charla del artista y visita guiada el jueves 15 a las 7 p.m.
adrianaherrerat@gmail.com

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  •  July 7, 2011
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Jul 022011
 

ART@WORK PRESENTS ENEMIGO PROVISIONAL
Exhibition of Works by Ernesto Oroza
On View July 9 – August 31, 2011
Opening Reception: Saturday, July 16, 2011

Provisional Enemy
Shooting galleries in Cuba are spaces traversed by a nihilistic ray. These are sectors of the city–and of the material culture of the island–in which destruction occurs at an accelerated pace. They are the dispersed centers from where the void radiates.
 6 years ago I made a video titled Provisional Enemy. During the first seconds of the video, one reads: “On Tuesday, 26th of February, 2004, the person in charge of a shooting gallery agreed to sell me his work resources: a wire full of hanging objects that have been shot by dozens of Cubans, each day, with a pellet gun.”
A version of this video, photos from the archive “Enemigo Provisional”, and videos of Fidel Castro promoting household goods from Communist China in Cuban national television constitute the exhibition “Enemigo Provisional” at Artatwork.
Ernesto Oroza, 2011

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Jun 242011
 

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Jun 052011
 

Pawnshop e-flux
Kopfbau Basel (twitter)
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June 15–18, 2011
11:00–19:00
Facing the main hall at the Messeplatz, go to the red building next to Art Unlimited (to the left end of the fountain), look for the currency exchange and the kopfbau sign, enter through the time/bank.
e-flux has been invited to develop a special project for the Kopfbau during Art Basel. The Kopfbau (head building) is the oldest building in the Messeplatz complex, slated for demolition later this year. In response to this invitation, e-flux developed a constellation of projects situated somewhere between exhibitions of art and the concrete forms of sociality encountered in everyday life. Conceived as an independent universe with its own bar, hotel, shops, admissions, and so forth, this project operates in parallel, and as the inverse to the neighboring art fair: operating during alternative hours and in surprising and often paradoxical ways, and ranging in scope from the educational to playfully predatory and mercantile. Its component parts draw on a wide circle of institutions, artists, curators, and writers who have been involved with various e-flux projects over the past several years and comprise seven discrete projects, including:
Basel Pawnshop—both an exhibition and an artwork in itself, Basel Pawnshop mediates the complex choreography of art and money. As a fully functional pawnshop, it has an inventory of over a hundred art works, some made specifically for this occasion. Artists who have contributed to the Pawnshop include: Armando Andrade Tudela, Michel Auder, Michael Baers, Luis Berríos Negrón, Marc Bijl, Andrea Büttner, Annika Eriksson, Peter Friedl, Joseph Grigely, K8 Hardy, Christoph Keller, Annika Larsson, Kenneth Lum, Gustav Metzger, Darius Miksys, Gean Moreno & Ernesto Oroza, Bernardo Ortiz, Olivia Plender, Julia Scher, Tino Sehgal, Nedko Solakov, Eric Stephany, Jalal Toufic, Bik Van der Pol and Marion Von Osten among others.
A Guiding Light—Liam Gillick and Anton Vidokle stage and film Episode 2 of A Guiding Light, originally commissioned by the Shanghai Biennial and produced by New York’s Performa in 2010. The project combines a theoretical text by Franco Berardi (Bifo) with the structural analysis of a1952 episode of the television soap opera, Guiding Light, to stage a production that shifts between analysis and self-critique. Captured by several cameras, the resulting film preserves the soap opera’s signature stage blocking and repeated cuts, while highlighting the differences and difficulties encountered when attempting to capture the potential of art today.
Agency of Unrealized Projects (AUP)—a temporary office that exhibits a growing archive of several hundred unrealized art projects, comprising contributions received through an open call, as well those originally collated by Hans Ulrich Obrist and presented in the book Unbuilt Roads (1993). AUP presents works by Judith Barry, Heman Chong, Jimmie Durham, Yona Friedman, Philippe Parreno and many others.
Guesthouse Basel—a free, five-day residency for young artists, curators, critics and gallerists, organized in collaboration with Städelschule, Frankfurt, inspired by the legendary Gasthof event that took place in Frankfurt in 2004, during which Rirkrit Tiravanija and Daniel Birnbaum radically transformed the art academy into a free hotel for numerous young artists visiting Documenta in Kassel.
Time/Bank Currency Exchange—a Time/Bank outpost where time currency (designed by Lawrence Weiner) can be obtained in exchange for other currencies, biological time, ideas, services and commodities. Time/Bank proposes an alternative economy in which individuals and groups in the cultural fields can trade time, skills and commodities to get things done while circumventing money. www.e-flux.com/timebank
The Book Coop: e-flux journal & network—features art books, magazines and other types of publications from members of the journal network, a group of around 200 international art centers, art book stores and independent publishers that self-publish and distribute the print-on-demand e-flux journal.
Salon Aleman (the return!)—a rooftop bar inspired by the original Salon Aleman, the basement bar that operated from 2006–2007 in the basement of Unitednationsplaza, Berlin.

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Apr 102011
 
Gean Moreno and Ernesto Oroza. Untitled (decoy), 2010. Wood and found tiles. Functional object 48” x 48” x 12”

Gean Moreno and Ernesto Oroza. Untitled (decoy), 2010.
Wood and found tiles. Functional object 48” x 48” x 12”

see exhibition images here

(english version):
Farside Gallery. Miami
by José Antonio Navarrete / Arte Al Dia International, July 2010

Decoy, the exhibition of works by Gean Moreno and Ernesto Oroza, gathers together objectual constructions whose conformation and referential potential are the result, in each case, of interactions of varying degree and nature between different disciplines, models and systems of cultural production. I include as examples, in an incomplete list, urban planning, architecture, sculpture, design, interior decoration, museography, essayist literature and publishing activities.

The basic regulator of these interactions is the research work and reflection that both artists have engaged in during the past few years. Established as a methodology, the expansion and enrichment of that work has been put to the test, consecutively, in the different projects implemented within its framework. We would even go further in the case of the example we are addressing: besides shedding light on some aspects of the exhibition, “Notes on the Moiré House (Or, ‘Urbanism’ for Emptying Cities)”, the text authored by both artists and included in the tabloid that accompanies Decoy, represents a moment in the development of a line of thought whose elaborations, previously disseminated, also serve as methodological support for the strategies applied in the show. Likewise, the elements and structures physically displayed in the exhibition space already form part of or are on the way to become configured as a series of conceptual and material sys- tems and tools in an ongoing process of growth that Moreno and Oroza have forged, progressively, under the principle of diagram design. Theirs are, therefore, modelizations with a high level of pragmatic capacity, adaptable to very different installation and operation situations, and with functional possibilities of use outside the field of art, ultimately their place of origin.

In terms of artistic deed, Decoy features a close relationship with the problems of the contemporary city and the ways of inhabiting it, as well as with the production processes, the con- sumption flows and the new social behaviors that characterize the latter, but I would dare say that it communicates interstitially with one of the richest trends of the European avantgarde: the one that put into circulation the notion of the link between art work production life. It is true that, setting itself apart from the celebration of technique and of social redemption that nourished the approaches to the subject elaborated by the Bauhaus and by Russian productivism, what Decoy proposes as strategy is the use of any material and opportunity available for the popular invention of alternatives to the impositions of consumerism; however, of the demythologizing impulse of artistic practice associated to this modern trend, Decoy con- serves what was perhaps its most important trait: the interest in fusing (confusing) art into (with) architecture, design and, in general, the processes of material production.

Perhaps the notion of diagram central to Moreno and Oroza’s current discursive speculations, as we pointed out before might be fitting as metaphor to represent the research exhibition project that both artists are articulating jointly. In that case, Decoy would be something like one of the components or operations of that project: a place to situate oneself inside their diagram.

(spanish version):
Farside Gallery. Miami
por José Antonio Navarrete / Arte Al Dia International, Julio 2010

Decoy, muestra de Gean Moreno y Ernesto Oroza, reúne construcciones objetuales cuya conformación y potencialidad referencial resulta en cada caso de interacciones de carácter y grado variables entre distintas disciplinas, modelos y sistemas de la producción cultural. Incluyo como ejemplos, en una lista incompleta: el urbanismo, la arquitectura, la escultura, el diseño, la decoración interior, la museografía, la literatura ensayística y la labor editorial.

El regulador básico de esas interacciones es el trabajo de investigación y reflexión que los dos artistas han desplegado durante los últimos años. Constituido como metodología, la expansión y enriquecimiento de este trabajo han sido puestos a prueba, consecutivamente, en los diferentes proyectos realizados dentro de su cauce. Diríamos más, atendiendo al ejemplo que nos atañe: “Notes on the Moiré House (Or, ‘Urbanism’ for Emptying Cities)”, el texto con autoría de ambos incluido en el tabloi- de que acompaña a Decoy, además de iluminar algunos aspectos de la exposición se inserta como un momento del desarrollo de un pensamiento cuyas elaboraciones previamente difundidas también sirven de soporte metodológico a las estrategias que se aplican en ésta. Por igual, los elementos y estructuras dispuestos físicamente en el espacio de exhibición ya forman parte de o se encaminan a configurarse como una serie en crecimiento hasta el presente de sistemas y herramientas conceptuales y materiales que Moreno y Oroza han fraguado, de manera progresiva, bajo el principio del diagrama. Se trata, en consecuencia, de modelizaciones con una elevada capacidad pragmática, adaptables a situaciones de instalación y desenvolvimiento muy diferentes y con posibilidades funcionales de uso fuera del campo del arte, su lugar de origen en última instancia.

En tanto hecho artístico, Decoy se postula en relación estrecha con las problemáticas de la ciudad contemporánea y los modos de habitarla, así como con los procesos de producción, los flujos de consumo y los nuevos comportamientos sociales que caracterizan a la última, pero me atrevería a decir que se comunica intersticialmente con una de las tendencias más ricas de la vanguardia europea: aquélla que puso en circulación la idea del vínculo existente entre arte trabajo producción vida. Es cierto que, a distancia de la celebración de la técnica y la redención social que alimentó los enfoques sobre el tema elaborados por la Bauhaus y el productivismo ruso, lo que Decoy propone como estrategia es el aprovechamiento de cualquier material y oportunidad disponibles para la invención popular de alternativas a las imposiciones de consumo; sin embargo, del impulso desmitificador de la práctica artística asociado a esa tendencia moder- na, Decoy conserva lo que quizás fuera en ella más importante: el interés por fundir (confundir) el arte en (con) la arquitectura, el diseño y, en general, los procesos de la producción material. Tal vez la noción de diagrama central para las especulaciones discursivas actuales de Moreno y Oroza, como señalamos antes podría ser apropiada como metáfora de representación del proyecto de investigación exposición que ambos están articulando conjuntamente. En ese caso, Decoy sería algo así como uno de los componentes u operaciones de ese proyecto: un lugar para situarse en el interior de su diagrama.

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